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Entrevista con el artista realista David Leffel: ver claramente

Entrevista con el artista realista David Leffel: ver claramente

La entrevista de David A Leffel con Steve Smith apareció originalmente en la edición de junio de 2006 de Revista, disponible en Revista 2006–2010 CD / DVD de cinco años y Revista 2001–2010 CD / DVD.

A David Leffel, conocido por su pintura representativa, nunca le ha gustado tener un trabajo "real". Las 40 horas a la semana de caminar en el mismo espacio es para él un anatema puro. Aprende un poco sobre sus antecedentes y rápidamente entenderás por qué. Confinado a una cama de hospital durante su juventud, Leffel ha pasado gran parte de su vida adulta redescubriendo el mundo que lo rodea. Los trabajos reales no dejan mucho tiempo para el descubrimiento.

Y sin embargo, la ironía prevalece cuando se trata de su arte. Cuando le da color al lienzo, queda totalmente absorto en el proceso de resolución de problemas de una pintura, a menudo trabajando desde la mañana hasta el almuerzo y hasta que la última mancha de luz natural se ha desvanecido de su estudio. Este celo devorador por la pintura ha llevado a Leffel a convertirse en uno de los principales artistas y maestros de pintura representativa de Estados Unidos.

Su libro de 2004, Un artista enseña, detalla muchos de los pensamientos de Leffel sobre la pintura, principalmente que, en lugar del "énfasis convencional en la técnica, Leffel enfatiza el concepto visual que primero debe existir en la mente del pintor". Sherrie McGraw, artista y ex instructora de dibujo en la Art Students League (NYC), relata este episodio en el libro: "Una mañana, durante una demostración de retrato, habló del cofre de la niñera e hizo casualmente pinceladas horizontales donde cofre iba a ser. Estas pinceladas casuales, que aparentemente cualquiera podría hacer, crearon un cofre de la nada. Para mis jóvenes ojos era mágico; para mis ojos experimentados, sigue siendo magia ".

Revista Charlé recientemente con este maestro del siglo XX para tratar de descubrir de dónde proviene esa magia.

Cuéntame sobre tu educación. ¿Donde naciste?
Nací en Brooklyn. Lo más parecido a mi familia en cuanto a sensibilidad artística fue que mi madre tenía un fuerte amor por la ópera. Mi padre fue realmente interesante; él era esencialmente un jugador. Realizaba diversos trabajos de vez en cuando, pero tenía una gran cabeza para los números y le encantaba tirar dados y jugar a los caballos.

También era lo que llamarías un dandy. Le encantaba la ropa fina, la buena comida, las cosas buenas. Podía usar un traje todo el día, y al final del día parecía que acababa de venir de la sastrería. Incluso cuando no teníamos dinero, lo cual era frecuente, él ahorraría el tiempo que llevaría comprar lo mejor. No usaría nada barato.

¿Cuándo comenzaste a mostrar interés en el dibujo?

Cuando tenía unos tres años y medio, ya había comenzado a dibujar de la vida y dibujaba con frecuencia. Poco después, contraje una enfermedad ósea infecciosa y fui al hospital, donde permanecí hasta los 7 años. Después de una breve estadía en casa, regresé al hospital a los 8 años y permanecí allí hasta los 15.

En el hospital dibujaba sin cesar. Copiaría cómics y crearía mis propios personajes. Copiaría lo que pudiera y dibujaría lo que pudiera de la vida. También hice pintura de acuarela. Mis padres me traían materiales y libros de instrucciones de arte. Creo que tenía 10 u 11 años cuando obtuve mi primer paño de carbón y gamuza. Incluso su olor me fascinaba, era algo muy embriagador.

Sabes, realmente, mi experiencia en el hospital no fue tan horrible como podría parecer. Estuve allí tan consistentemente que no conocía ningún otro tipo de vida. Para mí fue exactamente como era.

¿Cuándo y cómo saliste?

Parte de esto fue el descubrimiento de la penicilina [las compañías farmacéuticas comenzaron a producirla en masa en 1943], que fue la cura perfecta para lo que tenía. Pero en realidad, para entonces, la enfermedad ya había seguido su curso y salí. Sobreviví.

Después de todos esos años de confinamiento, la integración en la sociedad debe haber sido tanto estimulante como atemorizante.

Oh, fue un tremendo ajuste. Sentía como si viniera de otro planeta. No sabía nada sobre el mundo real o cómo hacer nada, ni siquiera cómo pedir algo en un restaurante. Fue muy difícil y muy solitario. Pasé de una situación en la que conocía a todos y todos los parámetros a un mundo en el que no conocía a nadie. No conocía ninguna de las reglas de comportamiento.

Pero mi papá fue muy útil. Él me mostró cómo viajar en el metro y hacer todas las conexiones. Me llevó a la ciudad y me presentó a sus amigos. Eran verdaderos tipos de Damon Runyon: gángsters y jugadores con nombres como "Harry the Horse", "El ruso de tres dedos" y "Lefty Louie". Él era parte de todo ese grupo de Broadway, y eso fue muy divertido.

¿Cuándo se te ocurrió la idea de que podrías dedicarte al arte como carrera?

Mi mejor amigo en ese momento fue a la Escuela de Diseño Parsons, y lo seguí allí para estudiar diseño publicitario. Mi pensamiento era simplemente tener una carrera en arte comercial como ilustrador o diseñador. No tenía idea de que la gente hacía pintura de caballete, al menos en el modo realista. Nunca lo pensé. Si lo pensaba en absoluto, era que era un arte perdido y la gente ya no sabía cómo hacerlo.

Obtuve un par de becas y finalmente me gradué, aunque casi me echan por falta de asistencia. Puedes imaginarte que acababa de salir del hospital y quería ir a clase e ir al cine y probar el mundo. Mi primer semestre en la escuela, estaba fuera tanto como estaba dentro, pero finalmente me apliqué, me gradué y entré en publicidad.

¿Pintabas de noche o los fines de semana?

Odiaba ir a trabajar y especialmente tenía problemas para regresar del almuerzo. Todos estarían en la calle y fue muy emocionante. Entonces me despedían por mis horas de trabajo, no por la calidad de mi trabajo. Y tengo que decirte que nunca me importó que me despidieran; No fue un estigma para mí. Simplemente recogería mis cheques de desempleo hasta que obtuviera el siguiente trabajo.

Después de unos cuatro años de trabajar en diferentes trabajos y estudios de publicidad, pasé a visitar a un amigo que había abierto su propio estudio. Necesitaba algunos dibujos para un anuncio que estaba creando. Dibujé lo que necesitaba y, finalmente, propuso que, en lugar de conseguir otro trabajo, debería usar algo de espacio en su estudio. Me daría algo de trabajo, y yo también podría hacer otros dibujos y diseños independientes. Eso fue a finales de los años 50, cuando tenía 27 años, y fue cuando comencé a pintar en serio. Cuando no estaba ocupado con un trabajo independiente, pintaba en el estudio de publicidad de mi amigo.

Y eso finalmente te llevó a estudiar en la Art Students League en 1959, ¿verdad?

Me mudé con un par de músicos, que eran estudiantes en Juilliard. Fue un movimiento fortuito porque me puso en un tipo diferente de multitud. Ser artista me dio cierto prestigio con ellos, aunque eso no les impidió comer mis configuraciones de naturaleza muerta. Si saliera un momento para tomar un descanso de la pintura, por ejemplo, una naranja, no estaría allí cuando volviera.

Mis amigos y yo pasamos el rato en una cafetería del centro de Broadway. Uno de los camareros iba a la Art Students League. Se dio cuenta de mi dibujo, nos conocimos y me animó a ir a la Liga.

¿Por qué estabas tan interesado en la pintura representativa y el dibujo? En aquellos días era básicamente rechazado por el mundo del arte.

De vuelta en Parsons íbamos de excursión a museos. Cuando vi por primera vez las pinturas de Rembrandt en el Museo Metropolitano de Arte, me impresionaron de inmediato. Sus pinturas parecían tener un nivel de lógica que ninguno de los otros tenía. Tuve una respuesta inmediata a la forma en que usaba la luz. Parece tan inexorablemente lógico cómo se movería la luz de un lugar a otro, un sistema tan estrecho. En ese momento ciertamente no podía expresarlo, pero me causó una profunda impresión.

Al mismo tiempo, estábamos haciendo muchos ejercicios con formas abstractas, cosas cubistas, desglosando cosas, etc. Y me dejó con un sentimiento de arbitrariedad. Podría poner un punto aquí o un garabato allí, pero no había razón para lo que estaba haciendo, y me sentí incómodo con eso. Incluso cuando un instructor dijera: "Eso es excelente" o "Eso no es tan bueno", simplemente no parecía estar basado en nada de lo que pudiera agarrarse. En el Museo de Arte Moderno, mientras miraba las pinturas de Matisse o Picasso, me sorprendió que cualquiera pudiera hacer eso. Me preguntaba cómo alguien podría determinar si esto debería o no estar en un museo.

Esas dos ideas se desarrollaron en su mente cuando se encontró con una exhibición de arte realista.

Es una de las cosas más sorprendentes que le sucedió a mi carrera como artista. Estaba conduciendo de regreso a Manhattan después de un viaje a California, y vi una galería alrededor de Lexington y 60 que tenía una apertura. Inmediatamente estacioné el auto, en esos días todavía podías hacerlo fácilmente. Pensé que tal vez había algunas mujeres en esta apertura a las que podría atacar.

Bien, entré y fue una exposición de varios artistas realistas: Burt Silverman, Harvey Dinnerstein, Seymour Remenick, Daniel Schwartz y David Levine. Me sorprendió que las personas que eran mis contemporáneas, aunque un poco mayores, pintaran de una manera que pensé que estaba muerta. Estaba estupefacto. No mucho después de eso comencé a estudiar en la Liga.

Ver a esos artistas realistas debe haber sido muy motivador.

Sí, pero de una manera divertida, incluso después de asistir a la Liga, nunca tomé una decisión concreta de que esta sería mi vida. Me encantó estar allí, pero aún sentía que eventualmente tendría que conseguir un trabajo. Podría pasar días y días pintando sin siquiera darme cuenta. Cuando estaba en un trabajo, seguía pensando: "¿Cómo puedo salir de esto?"

¿Cuándo se rompió tu carrera artística?

Dejé la Liga en 1960 y comencé a participar en varias exposiciones de arte y a solicitar subvenciones. En 1964 en particular, solicité casi todo para tratar de obtener algo de dinero. Y todos me rechazaron. Podría haber empapelado mi habitación con rechazos.

A instancias de mis amigos, solicité una beca de la Fundación Elizabeth T. Greenshields en Montreal. Por supuesto, también me rechazaron. Cuando se lo conté a mis amigos pintores, no podían creerlo. Y mirando a algunos de los pintores que recibieron las subvenciones, tuve que decir que no podía evitar estar de acuerdo con mis amigos.

Entonces mi esposa y yo empacamos siete pinturas y tomamos el tren nocturno a Montreal. Decidí que iría allí con los originales, sin cita ni nada. Bueno, llegamos a las 8 a.m., tomamos un taxi hasta la dirección y no estaban allí. No quiero decir que estaban fuera, quiero decir que no había una lista para ellos en el directorio. Se fueron. Hacía nueve grados y nevaba.

Finalmente encontramos un superintendente de edificios que nos dijo que la Fundación Greenshields se había mudado. Entonces tomamos otro taxi para el nuevo edificio. El presidente estaba allí; miró las pinturas y finalmente obtuve mi beca. Y eso cambió mi pensamiento. Validó lo que estaba haciendo. Una autoridad externa, que no era amiga, dijo que mi trabajo tenía mérito, y que realmente fue un punto de inflexión.

Avancemos rápidamente hasta hoy. ¿Como trabajas? ¿Como es tu típico día?

Normalmente desayuno y luego me dirijo al estudio para comenzar a pintar. Configuré mi paleta y eché un vistazo a lo que estoy trabajando, lo que me da la oportunidad de calentarme. Una vez que empiezo a trabajar, me es muy difícil parar. Se vuelve tan fascinante resolver los problemas de la pintura. Me absorbe

Para mí, todo tiene que ser lógico en la pintura. Cada pincelada tiene que funcionar para ayudar a toda la pintura. Tienes que entrar en esa zona donde ves toda la lógica de lo que estás haciendo. Si no ayuda a la pintura, daña la pintura. Entonces cada pincelada es parte de la composición; Esto contrasta con cómo las personas tradicionalmente piensan en la composición, que es en términos de forma.

Cuando estás en la zona, es difícil salir a la hora del almuerzo. Intenté pasar un tiempo sin almorzar, pero perdí demasiado peso.

¿Qué sucede cuando no puedes encontrar la zona?

Lucho a través de eso. Encuentro que, cuando realmente estoy trabajando de manera consistente, puedo ponerme en ello como una distorsión del tiempo. Me estoy metiendo tanto en la pintura que puedo hacer que suceda.

Incluso cuando no estoy en la zona, solo mover la pintura tiene una calidad sensual que es divertida. Y si sigo pintando, eventualmente algo va a hacer clic. Es como pasar de un estado autoconsciente a uno inconsciente. Ahí es cuando es lo mejor. Tengo la pintura en la palma de mi mano: sostengo el pincel y está fluyendo a través de mí. Durante esos momentos se siente como si estuviera pintando con luz, poniendo luz real, no pintura, sobre un lienzo.

Un tema de su libro, y quizás de su vida, es una curiosidad ferviente, un deseo de desarraigar cosas y comprenderlas a un nivel muy básico. ¿Cuándo empezaste a hacer tantas preguntas?

Mi madre siempre decía que incesantemente preguntaba por qué. La volvería loca. Supongo que nací con eso. Cuando estaba aprendiendo en la Liga y más adelante en la vida, siempre quise saber por qué algo funcionaba. No estaba satisfecho de que funcionara; Quería saber por qué y reducir las cosas a componentes más simples. Así es como funciona mi mente.

Siempre sentí que si podía ver algo claramente, podría pintarlo. Si estuviera mirando un objeto o una pieza de anatomía y pareciera que se necesitarían demasiadas pinceladas para pintar, me preguntaría si hubiera una forma más sencilla. En lugar de usar 25 pinceladas, ¿podría pintarlo con tres? Y si no podía, sabía que no estaba viendo con claridad. La pintura tiene que ser un lenguaje simple, una taquigrafía, en oposición a la representación, que es de forma manual.

¿Todavía dibujas a menudo?

Ese es mi bugaboo; No dibujo lo suficiente. Me metí tanto en la pintura que simplemente dejé de dibujar. Voy a un grupo de bocetos una vez por semana para mantener mi mano en él. Pero a veces miro la figura, y todo lo que puedo pensar es en color y pincelada.

¿Puedes ser un gran pintor sin ser un excelente dibujante?

No. No es tanto que necesites la técnica para poner algo en el papel, pero ser un buen dibujante significa que puedes ver con claridad. Puedes ver la forma en que se entrelazan los formularios; Puedes ver el gesto, la pose. Si no puede ver para dibujar, no puede ver para pintar. Nunca he conocido a nadie que no pueda dibujar y aún entienda la pintura. Es imposible. Tome a alguien como David Hockney, con todos sus ensayos sobre cámara oscura y ese negocio. No puede dibujar y, bueno, tampoco puede pintar.

No eres fanático de pintar a partir de fotografías. ¿Por qué?

Pierdes contacto con toda la realidad. ¿Cuál es el desafío si estás trabajando desde una fotografía? En ciertos casos, como el retrato de una persona fallecida, es la única opción. Pero es tan frecuente hoy. Parece que la gente solo quiere producir un producto. Trabajar desde la vida requiere una mentalidad completamente diferente. Es el desafío, la diversión de la confrontación. Siempre he pintado con luz natural y casi siempre de la vida.

¿Qué sigue para ti?

Estaba pensando en pedirle a alguien que me diera una paleta completamente nueva con un nuevo conjunto de colores para poder mezclar colores que nunca antes había mezclado. Todavía estoy tratando de aprender cosas nuevas. Y todavía estoy tratando de crear una pintura tan hermosa como sea posible. En la pintura que acabo de terminar, por ejemplo, creo que podría tocar un punto más que podría mejorar un poco. Nadie más lo sabría, pero yo lo sabría.

Aprende más

  • Lea el artículo en línea gratuito de David Leffel "Tejiendo el tapiz del arte y la vida".
  • Mira el libro Dibujo y pintura de personas: la guía esencial.

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